Serge Honegger

Das Bayerische Staatsballett feierte 2020/21 sein 30-jähriges Bestehen. Nach «Schwanensee» und «Giselle» hatte am 18. Dezember 2020 «Paradigma» mit Choreographien von Russell Maliphant, Sharon Eyal und Liam Scarlett Premiere. Im April 2021 brachte die Compagnie «Der Schneesturm» heraus, eine abendfüllenden Neukreation auf die gleichnamige Erzählung von Alexander Puschkin von Hauschoreograf Andrey Kaydanovskiy. Im Sommer 2021 präsentierte die Compagnie eine neue Ausgabe zeitgenössischer Kreationen unter dem Titel «Heute ist morgen» mit Choreographien u.a. von Charlotte Edmonds und Özkan Ayik. In der Spielzeit 2021/22 zeigte das Bayerische Staatsballett neben mehreren Wiederaufnahmen Christopher Wheeldons «Cinderella» sowie den dreiteiligen Ballettabends «Passagen» mit Kreationen von David Dawson, Alexei Ratmansky und Marco Goecke. 2022/23 kommt zum einen Alexei Ratmanskys Choreographie zu drei Tschaikowski-Ouvertüren zur Uraufführung, zum anderen wird der Doppelabend «Schmetterling» mit zwei Werken von Sol León und Paul Lightfoot neu für das Ensemble einstudiert.

Link zum Bayerischen Staatsballett

Das Institute of Fine Leadership (IFL) wurde 2022 gegründet, um dem wachsenden Bedürfnis nach neuen Instrumenten und Handlungsweisen in der konkreten Führungspraxis nachzukommen. Das Programm „Leaders in Balance“ zielt auf ein ganzheitliches Verständnis von Leadership. Die Teilnehmenden lernen, die Erwartungen des unternehmerischen Umfelds hinsichtlich der High-Performance mit den persönlichen Bedürfnissen in eine Balance zu bringen.

Wie kann Führung Spass machen und was braucht es, damit die positiven Effekte einer veränderten Einstellung der Führungspersönlichkeit auf das Team zurückwirken können?

Diese Fragen werden im Rahmen eines exklusiven Coaching-Programms für Führungspersönlichkeiten auf der Ebene von Senior Executives und Top Talents diskutiert, bearbeitet und einer Lösung zugeführt.

Informationen auf der Webseite des Institute of Fine Leadership

Street Ballads is the second stage of a project that started in 2019 with a first soundscape entitled I am not alone. This performance on the cultural space of the ancient Via Egnatia road was a collabora­tive project with 16 museums in Switzer­land (www.viaegnatia.ch).

Artistic voices from Europe
The Street Ballads performance project brings together a variety of artistic voices from all over Europe to reflect on the pre­sent and create a powerful interdisciplina­ry network. Our goal is to use artistic and musical means to establish creative ex­periential spaces and thought-provoking viewpoints.

A live-soundscape
Street Ballads is designed to evolve over several stages. The live soundscape is comprised of musical improvisations, noi­ses and spoken passages.

From Switzerland to Bulgaria
Having focused on the Western Balkans and Switzerland in 2020 and 2021 with the performance I am not alone, the second stage of the project will move to Bulgaria in 2022. Here, four musicians from the Swiss ensemble meet four per­formance artists from Bulgaria. They will collaborate to create a two-hour perfor­mance in various exhibition spaces in So­fia, Plovdiv, Varna and other cities.

Literary contributions
In addition to music and sounds that ref­lect the respective exhibition programme, literary contributions can also be heard. These have been written especially for the performance. The Bulgarian authors pro­vide the voice of a historical, mythological or legendary figure of their choice to com­ment on the present.

Theatre and music festivals
After touring Bulgaria, the ensemble will travel to Switzerland and various festivals around Europe, further developing the performance into an acoustic travelogue.

Project Management, Artistic Direction
Manuela Casari, Serge Honegger

Cooperations
Art Office Foundation (Bulgaria) 

New Culture Foundation (Bulgaria) 

Balkans Beyond Borders (Greece) 

Culture Routes Society (Turkey) 

Elizabeth Kostova Foundation (Bulgaria) 

Literaturhaus Zürich (Switzerland) 

Tirana Ekspres (Albania) 

Via Egnatia Foundation (The Netherlands)

Support
Elisabeth Weber Stiftung 

hibou-Stiftung 

Landis & Gyr Stiftung 

Pro Helvetia 

Spendenstiftung Bank Vontobel 

temperatio – Stiftung für Umwelt, Soziales, Kultur 


Titel
«Schlusssteine – Offene Schreibexperimente»

Datum und Ort
20. Januar 2022, Literaturhaus Zürich

Mitwirkende
Sarah Elena Müller, Autorin
Sunil Mann, Autor
Alexander, Markin Autor
Seraphina Schweiger, Lesung/Schauspielerin
Serge Honegger, Moderation

Projektleitung, Künstlerische Leitung
Manuela Casari, Serge Honegger

Kooperationspartner
Balkans Beyond Borders
Culture Routes Society
Via Egnatia Foundation
Literaturhaus Zürich

Unterstützung
Kulturfonds der ProLitteris
Fondation Jan Michalski pour l’écriture et la littérature

Fotos
Milad Ahmadvand

The performance project Street Ballads collects different voices on the present throughout Europe in the form of a live soundscape. Street Ballads III – Ukraine will have three performances in Zurich in summer 2023. The live soundscape is comprised of literary passages, a choreography, and sound elements, blending artistic disciplines to accompany the works of ten Ukrainian authors. They pro­vide the voice of a historical, mythological or legendary figure of their choice to com­ment on the present. The performance brings together 15 artists from the Ukraine and Switzerland.

Street Ballads III – Ukraine is a performative-vocal intervention. The acoustic landscape will be presented via narrative fragments, sounds, and voice improvisations. The performance unfolds as a loop over approximately 2 hours and takes place in the audience area of the museums. It is divided into 20-minute sections that are repeated several times in a different form. Soundscapes form a conceptual pivot in the debate around spatial atmospheres in the areas of architecture, theatre and public spaces.

More information: www.soundscapes.live

«I am not alone» wurde als ein Live-Soundscape bis Ende 2021 in 16 verschiedenen Museen der Schweiz realisiert. Am Projekt beteiligt waren sieben professionelle Performance-Künstlerinnen und -Künstler mit Spezialisierung in zeitgenössischer Musik und Improvisation. Die antike Route der Via Egnatia begegnete dem Publikum als akustisches Bild aus Geräuschen, Stimmen und Klängen. Zu jeder Ausgabe wurde eine Person aus dem Literaturbereich eingeladen, um als Chronistin/Chronist Begebenheiten und Eindrücke festzuhalten. Dieses Material wurde vom Performance-Ensemble am nächsten Aufführungsort improvisatorisch verarbeitet. Dadurch erweiterte der Soundscape auf jeder Station seiner Reise die Geschichte der Via Egnatia. Er kreierte ein gegenwärtiges Echo einer Migrationsroute, auf der seit über 2000 Jahren Menschen, Ideen und Artefakte zirkulieren.

Performance-Künstlerinnen und Künstler: Miro Hanauer, Regina Hui, Andrea Knutti, Eva Mann, Anna-Kaisa Meklin (2 Aufführungen), Chiara Selva, Reto Senn, Beat Vögele

Projektleitung: Manuela Casari (Produktionsleitung), Serge Honegger (Dramaturgie), Sandra King-Savic (wissenschaftliche Begleitung)

Kooperationspartner
Balkans Beyond Borders (Griechenland)
Culture Routes Society (Türkei)
Via Egnatia Foundation (Niederlande)
Tirana Ekspres (Albanien)
Literaturhaus Zürich (Schweiz)

Unterstützung: Die 16 Ausgaben der Performance konnten mit großzügigen Beiträgen öffentlicher Kulturförderstellen und privater Stiftungen realisiert werden: Beyond Foundation, BLKB Stiftung für Kultur und Bildung, Elisabeth Weber Stiftung, Ernst Göhner Stiftung, Heinrich Enrique Beck-Stiftung, Hirzel Stiftung, Hugo Looser Stiftung, IRENE-Stiftung, Landis & Gyr Stiftung, Migros Kulturprozent Zürich, Oertli-Stiftung, Pro Argovia Kaktus, Spendenstiftung Bank Vontobel, Stiftung Érgata, Stiftung Erna und Curt Burgauer, Stiftung für Suchende, Stiftung Temperatio, Stiftung WaliDad, Werner Hasenböhler Stiftung, Zauberberg Stiftung sowie weitere Stiftungen, die nicht genannt werden möchten. Des Weiteren: Pro Helvetia, Kulturfonds der ProLitteris, Aargauer Kuratorium, Dienststelle für Kultur Stadt Biel, Fachstelle Kultur Kanton Zürich, Fachstelle Kultur Stadt St.Gallen, Kulturförderung Gemeinde Bubikon, Kulturförderung Gemeinde Wettingen, Kulturförderung Kanton St.Gallen, Kulturförderung Stadt Winterthur, Kulturförderung Stadt Luzern, Kulturkommission Lenzburg, Kulturpauschale Basel-Stadt, Loterie Romande Vaud, Loterie Romande Genève, Regionalkonferenz Kultur RKK Luzern, Swisslos-Fonds Kanton Basel-Landschaft, Swisslos-Fonds Kanton Bern

Weitere Informationen
Link zur Homepage soundscapes.live
Link zur Homepage Via Egnatia

Von 2010 bis 2015 betreute ich als Leitender Dramaturg Produktionen des Musiktheaters. Im Bereich Tanz arbeitete ich mit Choreographen wie Yossi Berg und Oded Graf, Daniel Hay-Gordon, Konstantin Keykhel, Jonathan Lunn, Yuki Mori, Marco Santi, Stephan Thoss, Beate Vollack oder Nick Winston zusammen. 

Die Publikation Lenkung und Ablenkung (Schwabe-Verlag Basel, 2019) beschäftigt sich mich mit der Steuerung von Handlungen durch Sprache und Schrift im Bereich Schauspiel, Musik- und Tanztheater. Untersucht wird zum einen den Vorgang der Transformation des literarischen Textes ins Aufführungsmedium. Zum anderen wird der Status des Schriftlichen im Umfeld des Regietheaters und des digitalen Zeitalters diskutiert. Bestellt werden kann die Publikation beim Schwabe Verlag Basel/Berlin.

Die Arbeit verfolgt das Ziel, mittels einer interdisziplinären Perspektive einerseits auf die fundamentale Sprachabhängigkeit von Praktiken der Führung und andererseits auf die Ambivalenzen jeglicher Steuerungsvorgänge aufmerksam zu machen. Materialisiert sich das lenkende Handeln in Texten, akzentuieren sich die Schwierigkeiten der Verständigung aufgrund des schriftlichen Kommunikationskanals. Sowohl die Stärke als auch die Schwäche des Steuerungsmittels Text beruht darauf, dass mit Gegenlektüren, Umdeutungen und unvorhersehbaren Schlussfolgerungen gerechnet werden muss. Solche Wirkkräfte bestimmen nicht nur das Regieführen selbst, sondern sämtliche Praktiken, in denen sich ‹Leadership› ausprägt.

Den Gegenstand der Untersuchung bilden vier Dramentexte von John von Düffel (Die Unbekannte mit dem Fön), Peter Handke (Das Mündel will Vormund sein / Die Stunde da wir nichts voneinander wussten) und Franz Xaver Kroetz (Wunschkonzert). Allesamt in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts entstanden, lässt sich an ihnen ein verändertes Verständnis von Führung und ‹Leadership› in aufgeklärten, liberalen Gesellschaften ablesen. Die in den verschiedenen Handlungsbereichen praktizierten Führungsmodalitäten verabschieden sich von tendenziell hierarchisch strukturierten Organisationsprinzipien. Allzu determinierende Planbarkeits- und Kontrollvorstellungen werden aufgegeben. Ein zeitgemässes Führungsverständnis rückt verstärkt die paradoxen Wirkkräfte im Spannungsfeld von ‹Vorschreiben› und ‹Offenlassen› in den Fokus.

Der Begriff «Corporate Dramaturgy» benennt einen interdisziplinären Ansatz zur Analyse, Beschreibung und strategischen Entwicklung von Organisationen. Er verbindet Elemente aus der Organisations- und Managementlehre sowie der Theatertheorie.

Im Theaterumfeld bedeutet Dramaturgie die Untersuchung der dramatischen Komposition, d.h. der schriftlichen oder musiknotationalen Vorlage. Dramaturgie umfasst aber auch die Begleitung des Produktionsprozesses einer konkreten Aufführung. Hier werden die ganz unterschiedlich gearteten Szenarien in ein Bühnengeschehen transformiert. Wie das künstlerische Ereignisse vorstrukturiert wird und in welcher Form das Publikum an den präsentierten Inhalten teilhaben soll, sind dramaturgische Fragen, die von den künstlerischen Teams  bearbeitet werden. Theatrale Elemente und Dramaturgien finden sich jedoch nicht nur im künstlerischen Umfeld, sondern gestalten in unterschiedlichen Schattierungen sämtliche Lebensbereiche.

Die Dramaturgie von Unternehmen

In den letzten Jahren haben dramaturgische Fragen verstärkt Eingang in den Diskurs von Unternehmen und Organisationen gefunden. Dies hängt zum einen mit der Ausdifferenzierung und Arbeitsteiligkeit in einem komplexer werdenden wirtschaftlichen Umfeld zusammen. Der rasche Wandel und das agile Reagieren auf Veränderungen machen es notwendig, dass die einzelnen Prozesse und Arbeitsschritte noch sorgfältiger auf die unternehmerischen Aktivitäten als Ganzes abgestimmt werden müssen. Zudem sind die Anforderungen an den öffentlichen Auftritt markant gestiegen. Es gilt in der Gegenwart, nicht nur die analogen, sondern auch die digitalen Bühnen auf überzeugende Weise zu bespielen. Wie dies von Firmen und Organisationen gehandhabt wird, kann sich als ein entscheidender Erfolgsfaktor herauskristallisieren.

Um organisationale Entwicklungen erfolgreich zu bewältigen, ist es von zentraler Bedeutung, die Kernbotschaft klar zu kommunizieren, ein motivierendes Ziel vorzugeben und die Gründe für Neuerungen positiv zu besetzen. Dramaturgische Konzepte können hier eine fundamentale Rolle spielen. Sie bieten ein bewährtes Instrumentarium, damit sich ein Publikum überzeugen lässt. Dies betrifft neben der Präsentation von Produkten und Dienstleistungen gegenüber den Kunden auch interne Abläufe, Anlässe und Auftritte.

Das Publikum im Fokus

Wie im Theater wird das unternehmerische Umfeld aus der Perspektive der Corporate Dramaturgy als ein komplexes Interagieren von Individuen mit ihrer Intelligenz, Kreativität und Professionalität verstanden. Die Belegschaft bereitet Produkte und Dienstleistungen vor, mit denen am Tag X die Öffentlichkeit begeistert werden soll. Dieser Fokus auf die Perspektive der Zuschauer- und/oder Adressaten ist zentral. Wie die internen und externen Zielgruppen angesprochen und involviert werden, macht den Unterschied zu jenen Unternehmen und Organisationen aus, die davon ausgehen, dass das bewährte Angebot für sich selber spricht. Mit einer überzeugenden Kernbotschaft, die in der Organisation verankert ist, werden nicht nur die Erfolgschancen am Markt, sondern auch die Motivation und Arbeitszufriedenheit der Mitarbeitenden gesteigert.

Der Ansatz der Corporate Dramaturgy fördert eine integrative Firmenkultur und gibt den unternehmerischen Zielen eine sinnliche Form. Damit gelingt es, eine glaubwürdige und inspirierende Storyline zu entwickeln, motivierende Ziele zu formulieren und gegenüber den Mitarbeitenden das sinnstiftende Potenzial der Arbeit zu vermitteln.

Link: All Might Change

‹All Might Change› is a Strategic Communication Consultancy. We specialize in the analysis and design of interactional spaces in companies and organisations. Our mission is to help our clients create authentic, multi-layered and empathetic communication campaigns. Our approach was awarded with the Spin-Off label for entrepreneurial innovation by the University of St.Gallen and the Center for Entrepreneurship in 2018. Serge Honegger and Claudio Mascolo both act as managing directors. ‹All Might Change› is incorporated under the Companies Act 2006 as a private company, limited by shares and registered in England and Wales.

Communications & Production
We design and produce multimedia and content formats for internal and external communications. Our solutions engage audiences by drawing heavily from our experience in theatre, film, dramaturgy and experiential storytelling.

Research & Consulting
Our research is based on studies in the field of organisational discourse analysis and media theory. We focus on the use of spatial design, visual and multimedia elements, storytelling, spoken and written language.

Our Story
After having gained extensive experience in both the opera/theatre and the film world as well as PR and communications, we started a research project about communication tools in the age of digitalisation in 2013. Consequential, Serge Honegger developed a PhD-project at the University of St. Gallen that highlights directional practices’ fundamental dependence on the deliberate design of different communications channels. We felt that companies and organisations had a growing need for alternative mediation formats as a reaction to the digitalisation of traditional media channels. ‹All Might Change› was created in 2016 as a vessel for our first project: We were asked to create a guided tour through London for a visiting delegation at Schneider Electric’s global leadership summit. The objective was to offer an immersive experience, highlighting current trends in business and culture; a fairly vague brief that the company could not get a satisfying response to from the usual agencies in London. We have since expanded the breadth of our offering collaborating on events with clients as varied as Carrefour Group, L’Oréal, Opera House Zurich and Tonhalle Zurich.

Methodology
Our approach is based on studies in the field of organisational discourse analysis and media theory. The projects that are realised by ‹All Might Change› address the control of actions and sense making in companies and organisations through the use of language, writing, visual elements and spatial design.

We give space to polysemous phenomena that allows complexity and divergent thinking. This means to challenge the audience to make interpretative decisions and thereby motivate people to reflect and act. All our projects have the aim to gain more insights into the impact mechanisms of experiential formats.

Link to All Might Change website

Presentation/Lecture
Honors Society Guest Lecture, Franklin University Switzerland, 22. November 2019

Just as management can be understood as a communicative discourse, authors want literary texts to have an impact. The talk addresses the control of actions through language and writing and compares conceptions of authority in literature and management. On 10 October 2019, the controversial Austrian author Peter Handke (*1942) received the Nobel Prize in Literature. His work reflects intensively the role of language as a means of communication in society and art, specifically as a means for guiding and influencing readers and audiences. In his stage plays in particular, Handke highlights difficulties in today’s leadership roles, such as managers and politicians. Serge Honegger discusses  Handke’s conceptions of authority and their implications for our age.

In Totenreden, Begräbnisreden, Leichenreden, Grabreden oder Trauerreden wird den Verstorbenen das letzte Geleit gegeben. Einerseits werden sie im traditionellen christlich-kirchlich geprägten Umfeld gehalten, andererseits entwickeln sich in Folge der postmodernen Multioptionsgesellschaft neue Rituale, die alternative Sprechweisen und Sinnbezüge erlauben. Totenreden werden darüber hinaus nicht nur für Personen, sondern auch für Organisationen und Unternehmen gehalten. Erst nachdem das Lebendige vergangen ist, kann es zu einer fixierten Gestalt gelangen. Das endgültig Vergangene wird durch die sprachliche Form nochmals hervorgerufen. Es erscheint dabei nicht in seiner prozesshaften Seins-Weise, sondern in seiner fixierten Form.

Insgesamt ist der Diskurs von und über die  Toten vielgestaltiger, aber auch schwieriger geworden. Die Ablösung von der Deutungshoheit, die von der christlichen Kultur und ihrer Institutionen ausgeübt wurde, führt zu einer Neubestimmung zwischen Totem und Lebendigem.

Mit dem Bedeutungsverlust der christlichen Glaubenskultur geht die Suche nach neuen Sprachformeln einher. Diese nehmen einerseits auf die christlich-abendländische Tradition Bezug, integrieren aber auch neue Elemente. In der Studie untersuche ich, in welchen sprachlichen Formen sich die Totenrede in der Gegenwart manifestiert. Gegenstand der Arbeit sind literarische Texte. Es geht dabei darum, herauszufinden, wie sich in der Literatur die gegenwärtige Kodierung des Todes und der damit verbundenen Räume und Rituale spiegelt. Verarbeitet werden von den Autorinnen und Autoren Themen wie «der selbstbestimmte Tod» mithilfe einer Sterbehilfeorganisation, der «fremdbestimmte Tod» im Rahmen eines hochtechnologisierten Gesundheitssystems oder das «Nichtsterben-Lassen» in Bezug auf die Diskussion, dass sich die Social-Media-Plattformen mit der Zeit zu virtuellen Friedhöfen entwickeln werden.

Die Studie ist als eine interdisziplinäre, qualitative Analyse angelegt und nimmt (a) sozial- und kulturwissenschaftliche Befunde zur aktuellen „Begräbnisdramaturgie“ auf, (b) untersucht die literarische Darstellung des Begräbnisrituals und des darin eingebetteten Sprechens im zeitgenössischen Literaturschaffen der Schweiz und (c) schlägt Szenarien für gelingende Toten- Leichen- oder Grabreden vor.

Nach der 2019 erschienenen Untersuchung zu postmodernen Regiebemerkungen («Lenkung und Ablenkung», Schwabe-Verlag Basel/Berlin) werden in der Studie «Was tun?» eine Reihe von Tanz- und Performance-Partituren untersucht, die schriftlich, tanznotational oder zeichnerisch das Geschehen auf der Bühne vorstrukturieren.

Auf welche Weise wird das Tun des Bühnenpersonals angeleitet? Wie viel Spielraum gewähren die Autorinnen und Autoren den Interpretierenden? Und wie spiegelt sich der historische Kontext der Live-Formate Theater und Performance in den entsprechenden Werken? Diesen Themen geht die Studie unter dem Titel «Was tun?» anhand von Performance-Partituren nach, die ab dem 18. Jahrhundert entstanden sind.

Was man tun soll, bringt als Frage zum einen die Schwierigkeit der Entscheidungsfindung zum Ausdruck. Zum anderen spiegeln sich in ihr die  zahlreichen Handlungsoptionen, die in einer freiheitlich organisierten Gesellschaft gegeben sind. Die so genannte «Multioptionsgesellschaft» zeichnet sich dadurch aus, dass unterschiedliche Wege eingeschlagen werden können. In künstlerischen Kontexten erfährt dieses Potenzial seine sprachliche, visuelle, akustische oder performative Gestaltung. Hier geht nicht um die Reduktion, sondern um Steigerung von Komplexität. Deshalb erinnert beispielsweise der Vermittlungsmodus postmoderner Literatur manchmal an ein Wortorakel. Nicht nur das vom Text dargestellte Geschehen selbst, sondern auch die Erzählstruktur gleicht einem zur Lösung herausfordernden Rätsel.

Performance-Partituren, literarische Textcollagen oder sonstige künstlerische Handlungsanweisungen spielen parallel zur Ausdifferenzierung des Kunstsystems ab dem 18. Jahrhundert und verstärkt ab Ende des 19. Jahrhunderts mit den Effekten des Vielsagenden. Damit versetzen sie die Rezipienten in Aktivität und fordern zur Mitwirkung auf.

Musik von Jacques Fromental Halévy
Libretto von Eugène Scribe
Arrangement von Alexander Krampe

Musikalische Leitung Hermann Dukek
Inszenierung Johannes Schmid
Bühne und Kostüme Michael S. Kraus
Choreinstudierung Steffen Schreyer
Dramaturgie Serge Honegger
Produktionsleitung Tanja Adamski
Leitung Konzilstadt Konstanz Ruth Bader

Éléazar Kristian Benedikt, Gustavo De Gennaro (7./9. Juli)
Rachel Yana Kleyn
Léopold Francisco Brito
Eudoxie Justyna Samborska
Brogny Tadas Girininkas
Ruggiero Vladislav Pavliuk

Vokalensemble Konstanz
Südwestdeutsche Philharmonie Konstanz

Premiere Donnerstag, 14. Juni 2018, 19 Uhr
Weitere Vorstellungen Samstag 16., Montag 18., Mittwoch 20., Sonntag 24., Dienstag 26., Donnerstag 28. Juni, Sonntag 1., Samstag 7. und Montag 9. Juli jeweils um 19 Uhr, Mittwoch 4. Juli um 16 Uhr

Spielorte Teil 1: Innenhof Kulturzentrum am Münster (Zugang über die Torgasse), Teil 2: Sankt Johann, Teil 3: Lutherkirche

Die Aufführungen fanden im Rahmen des Jubiläums «600 Jahre Konstanzer Konzil» statt.

Auf den Spuren des Konstanzer Konzils
Die Auseinandersetzung mit dem Fremden, der Blick zurück in die Vergangenheit, die Sehnsucht nach einem anderen Leben sowie übersteigerte Gefühlswelten sind Erfahrungen, denen alle Figuren in der Oper La Juive in der einen oder anderen Form ausgesetzt sind. Das vom Bürgerlich-Normalen Abweichende gehört zu einem der wirkungsmächtigsten Motive in der Kunst des 19. Jahrhunderts. Die alte Religion des Judentums, das mittelalterliche Konzil in Konstanz und die Darstellung eines wahnbesetzten Fanatismus werden von der Erzählstruktur der Oper zu einem Geschehen verwoben, in dem sich nicht nur vergangene Epochen wie das Konstanzer Konzil oder die Situation der jüdischen Gemeinschaft im Paris der 1830er-Jahre spiegeln. Was sich auf der Bühne an den drei Spielorten zeigt, wird auch zur Folie aktueller Debatten. Die Besucher der Inszenierung von Johannes Schmid begegnen dem Konstanzer Konzil nicht nur als Erzählgegenstand von Halévys Oper, sondern kommen an Wohntürmen, Innenhöfen und Straßenverläufen vorbei, denen die historischen Ereignisse ihren Stempel aufgedrückt haben.

Musik von Beat Vögele
Libretto von Lukas Holliger

Musikalische Leitung und Inszenierung: Christa Andres, Regina Hui, Maria Laschinger, Beat Vögele
Kostüme: Liv Senn
Oeil extérieur: Serge Honegger

Kinder- und Jugendchöre der Musikschule Basel, Musik-Akademie
Kammerorchester ‹Das grosse Drehen›

Aufführungen im Pantheon Basel
Samstag, 16. September 2017, 19.30 Uhr
Sonntag, 17. September 2017, 12 Uhr und 17 Uhr

Das Grosse Drehen
Aus Fortunas Drehen am Rad der Zeit entspringt das Geschehen auf der Welt. Das grosse Drehen gerät ins Stocken, als Fortuna sich dazu entscheidet, den Wünschen der Menschen nicht mehr zu entsprechen und das Rad der Zeit zurückzudrehen. Dabei löst sie nicht nur in der Welt, sondern auch in den Engel- und Höllenkreisen Chaos aus. Die Choroper wurde als Auftragskomposition zum 150-jährigen Jubiläum der Musik-Akademie Basel realisiert.

Texte von Louise Colt und Gustave Flaubert, Musik von Francis Poulenc, Georges Bizet, Reynaldo Hahn, Gabriel Fauré, Yann Tiersen, Jacques Ibert, Henri Duparc, Frédéric Chopin und Georges Auric

Lesung und Gesang Jürgen Tarrach
Sopran Siphiwe McKenzie
Klavier Stephan Matthias Lademann
Dramaturgie Serge Honegger
Realisierung Sonja Appelhans, Gunnar Schmidt (musica vivendi)

Premiere im Rahmen des Kultursommers Nordhessen.

Performance
Februar 2016, Regent Street – British Museum – British Library – King’s Cross Station

Konzeption und Umsetzung Claudio Mascolo, Serge Honegger
Produktion All Might Change
Im Auftrag von WDHB, Schneider Electric

The Present Collection is a self-guided individual audio tour through London. The participants are sent on the road equipped with an ipad mini and headphones. An especially created application guides them through the streets of London and plays bespoke audio content that matches their location and provides the soundtrack to their journey from post to post. The Present Collection aims to engage the audience/listeners in a narrative way with their environment. There are no descriptions of landmarks or encyclopaedia knowledge. Instead the content is based on interviews with people on the street, employees of businesses, organisations and institutions the participants pass.

Aufführungen
2014
Samstag, 6. September 2014, Militärkantine St.Gallen
Sonntag, 7. September 2014, Militärkantine St.Gallen
Donnerstag, 11. September 2014, Militärkantine St.Gallen
Freitag, 12. September 2014, Militärkantine St.Gallen
Sonntag, 14. September 2014, Militärkantine St.Gallen

2013
Samstag, 7. September 2013, Predigerkirche Zürich, 19.30 Uhr
Sonntag, 8. September 2013, Predigerkirche Zürich, 19.30 Uhr

Musikalische Leitung Kristjan Döhring
Inszenierung Serge Honegger
Kostüme Marion Steiner
Chor stimmen inscriptum
Schauspiel Mirza Sakic, Pan Bucher

Leichenreden für Lebendige
Kurt Martis lyrische Totenreden sind Klassiker. Seit ihrer Erstveröffentlichung haben sie nichts von ihrer Aktualität und Brillanz verloren. In der Aufführung werden die Leichenreden des Berner Schriftstellers und Pfarrers von einem Schauspieler-Duo vorgetragen. Der Chor des Ensembles inscriptum verknüpft die Texte musikalisch mit Werken aus Renaissance, Romantik und Gegenwart, die vom Schlager «Wochenend und Sonnenschein» aus den 20er Jahren bis hin zu zeitgenössischen Chorkompositionen reichen.

Aufführungen
Lokremise St.Gallen, Freitag 7. September 2012, 20:00
Lokremise St.Gallen, Samstag 8. September 2012, 20:00
Lokremise St.Gallen, Sonntag 9. September 2012, 20:00

Musikalische Leitung Kristjan Döhring
Inszenierung Serge Honegger
Kostüme Carola Ruckdeschel
Lichtdesign Ueli Riegg/urlicht

1 Witwe Regine Weingart
Alt Susanne Langner
Bariton Martin Ulrich
Flügel Kristjan Döhring

Der Chor St.Gallen 

Zum Stück
Im Jahr 2010 erschien Friederike Mayröckers Erzählband «Vom Umhalsen der Sperlingswand». Darin beschäftigt sie sich mit Robert Schumanns Aufenthalt in der Heilanstalt Endenich und den überlieferten Krankenakten. Die Autorin verbindet das langsame Verdämmern und Verlöschen Schumanns mit dem Sterben von Ernst Jandl, ihrem langjährigen Dichter- und Lebensgefährten in einem vielstimmigen Monolog. Dieser verwob sich in der Aufführung »Dunkelrosen der Nacht« mit Musik von Komponisten wie Brahms, Mahler, Schoeck und Schumann. Chorische Improvisationen schlossen das romantische Zeitalter an die Gegenwart an und fassten die assoziative Erzählweise Friederike Mayröckers in Klänge.

Downloads
Vorbericht St.Galler Tagblatt.pdf

Kritik St.Galler Tagblatt.pdf

Aufführung
Predigerkirche Zürich, 1. Juni 2012, 20:00 bis 3. Juni 2012, 20:00

Projektteam
Kristjan Döhring, Serge Honegger, Rahel Nebiker, Christoph Schön

Zur Performance
Im Juni 2012 fand in der Predigerkirche in Zürich während 48 Stunden ununterbrochen eine akustische Performance statt. Diese setzte sich aus unterschiedlichen Musik-, Sprech- und Geräuschbeiträgen zusammen. Leitmotiv war das Atmen: Es tauchte in der Performance als ein Grundgeräusch menschlicher Lautäusserung immer wieder auf und strukturierte  die 48 Stunden massgeblich. An der bilderlosen Dauer-bespielung der Predigerkirche beteiligten sich 48 Gruppen und EinzelkünstlerInnen mit den verschiedensten Beiträgen. Im Verlauf der 48 Stunden breitete sich das Atmen in allen möglichen Formen aus. Ziel der akustischen Performance war es, eine der Grundbedinungen menschlichen Seins künstlerisch zu reflektieren. Den Performance-Teilnehmenden wurde die Vorgabe gemacht, einzig nicht-visuelle Arbeiten einzureichen, ansonsten bestanden für die Art der Beiträge keine Einschränkungen. Die von fast sämtlichen Kirchenbänken leer geräumte Kirche, deren Seitenschiffe mit einer jeweils 35 Meter langen und 4 Meter hohen Stoffbahn verhängt wurden, schuf einen dem Alltag entgegengesetzten Denk- und Erfahrungsraum. Wie in den vorangegangen Projekten bot «inscriptum» sowohl den Ausführenden als auch den Zuschauern die Möglichkeit, in den weissen und leeren Raum der Predigerkirche imaginäre Bilder einzuschreiben und – in diesem Fall – als Gedanken auszuatmen.

Programm

Freitag

20:00 Windspiel | Duo für Neue Musik
24 Minuten Musik von und zu John Cage mit Verena Wüsthoff (Blockflöten) und Eva Zöllner (Akkordeon)

20:30 Kofmehl/Pletscher
Naturklänge für Orgel und Alphorn

21:15 Sarah-Maria Bürgin | (At)em.zone
Dialog über Atem-Zonen im Intimbereich

22:00 Gregorianik: Komplet
Das alte kirchliche Nachtgebet

22:30 Kantorei zu Predigern
Geistliche Motetten von Heinrich Schütz und Gabriel Rheinberger

22:45 Nocon/Inderbizin | Ganz Alltäglich
Innerer Monolog trifft Soundflächen

23:30 reu. | Entschleunigung und Sehnsucht nach Raum
Postlooping Soundscape mit Gitarre, Vocals und Live-Elektronik

 23:45 Zell:stoff | Jesus Kinski Erlöser
Eine interdisziplinäre Rezitation

Samstag

01:00 Matthias Blumer | Bach im Atemtempo seiner Zeit
Entschleunigte Orgelwerke von Johann Sebastian Bach

02:00 Ava & Macek Retrograd | Beichtperformance
Interdisziplinäre Beicht-Service-Palette

05:00 Land der Winde
Lesung: Christoph Schön, Orgelimprovisation: Kristjan Döhring

07:00 Marianne Feder
Stand up Comedy Special Guest: Thomas Niggli

08:00 Brigitte Mauerhofer | ein-aus-atmen 
Sprechperformance

09:00 Doktor Murkes gesammeltes Schweigen
Karin-Maria Neuss liest Heinrich Bölls  Kurzgeschichte

09:30 Martine Girardin
Singendes Gespräch unter vier Ohren mit Akkordeon

10:30 Knutti/Kunz | Her und Hinder
Wandelnde Improvisation für Akustik und Blockflöten

11:00 Serge Honegger | Luftschiffe und Träume
Lesung aus Werken von Jean Paul

11:30 Knutti/Storm/Studer | Klangbadereien
Atmungsaktives Akkordeon, schwimmende Blockflöte und tauchende E-Gitarre

12:00 Kathrin Raschle | Zarin Frosch
Russisches Zaubermärchen

12:30 Bach/Häring | Flûte enchantée
Stücke für Flöte mit und ohne Stimme

13:00 Atmen und Jodeln
Eine Anleitung zum Selbermachen ab Band

14:00 idée manu | Was in der Luft liegt
Wandelnde Klanglandschaften für Flügel Posaune, Muscheln, Alphorn, E-Bass plus Effektgeräte und Schlagzeug

15:00 Walter Raschle | Vedic Chanting in Sanskrit

15:30 Susanne Keller | Musikstücke

16:00 Der Chor St. Gallen | Dunkelrosen der Nacht
Chormusik von Robert Schumann und Gustav Mahler

16:30 Unser Vater babylonisch
Das Gebet in verschiedenen Sprachen mit Mitgliedern der Kirchgemeinde

16:45 Duo Amoena | Von Höhen und Tiefen
Geschichten des Werdens für Violine und Violoncello

17:30 Der Chor St.Gallen | Dunkelrosen der Nacht
Musik von Thomas Tallis, Herbert Howells und Giovanni Gabrieli

18:00 Unser Vater babylonisch
Das Gebet in verschiedenen Sprachen mit Mitgliedern der Kirchgemeinde

18:15 Tango und Klezmer Trio
Tangos von Piazolla und Klezmermusik

19:00 ad hoc : ad hoc
Luft für Liebe und Hirngespinste für Geige, Gitarre und zwei Stimmen

19:30 Linda Eberlein | WindesStilleWasser
Musik für Klassische Gitarre von Esteban Daza, Toru Takemitsu, Steingrimur Rohloff

20:00 Duo Simelia
Hauchzarte und fulminante Musik für Flöte und Klavier

20:45 Ulrich Pletscher | Homo Ludens
Neue Musik von Volodymyr Runchak für Kontraaltoklarinette

21:00 Victor Hofstetter | Füttert die Wölfe
Songs

22:00 Gregorianik: Komplet
Das alte kirchliche Nachtgebet mit Mitgliedern der Kirchgemeinde

22:45 Rimbaud: Les Fleurs du Mal |
Eine musikalische Lesung mit Kurt Grünenfelder, Sandro Corbat und Ulrich Pletscher

Sonntag

00:15 Grünenfelder/Corbat | The thrill is gone
Vocals: Kurt Grünenfelder, Guitar: Sandro Corbat

01:15 B°TONG: Chris Sigdell | Atmosphären

02:15 Jürgen Eberhard | Feine Trinkers bei Pinkels Daheim

04:00 Atmen und Jodeln
Eine Anleitung zum Selbermachen ab Band

05:00 Techno Bach | Bach goes Techno 
Loop und Guitars: Sandro Corbat

06:00 Abfall für alle | Texte auf die niemand gewartet hat
Eine musikalische Lesung mit Manuel Bürgin, Musik: Sandro Corbat

07:15 Open Mind Memory Testers | Carles Peris

08:30 Land der Winde
Lesung: Serge Honegger, Orgelimprovisation: Kristjan Döhring

09:30 Eicher/Knutti/Kuhn | Hauchpartikel
Umherirrende Seufzer für Blockflöten und Kontrabass

10:00 Tango und Klezmer Trio
Tangos von Piazolla und Klezmermusik

10:45 Malewitschklang | Ein Hauch von Nichts
Ueli Berger und Felix Müller

11:00 Marc Pauchard, Sarah Dentler | ars spirandi
Meditation im Mittelalter und in der Moderne für Blockflöte

12:00 Schaad/Schneeberger/ Wöhrle | ODEM
Stimm- und Klangimpressionen

12:30 Klancspiele | Ensemble KLANC

13:00 Duo Binder/Maurer | Klänge aus dem Inneren
Improvisationen für Stimme und Klavier mit Sara Maurer (Stimme) und Claudia Ulla Binder (Klavier)

14:00 Maxime Grand | Le Group Vocal
Baroque – Jazz | Gesänge a capella

14:30 Klancspiele | Ensemble KLANC

15:00 Einfach Drei | Ein Hauchen und Schnauben
Freie Improvisationen für Geige, Elektronium und Blockflöten

16:30 Serge Honegger | Luftschiffe und Träume
Lesung aus Werken von Jean Paul

17:00 Karin Ospelt | Karin und das Loopgerät
do-it-yourself-one-man-band

18:00 Erikunddu-Duo | Oszillationen
Improvisationen für Oud, Bassklarinette und Klarinette

19:00 Duo LORBER | LuftStromLuft
Improvisationen für Blockflöten und Elektronik

Link
www.inscriptum.ch

Aufführungen
Kunsthaus Glarus, SBB Güterschuppen, Glarus
Samstag, 13. August 2011 (Zeiten: 13-14.30 / 16-17.30)
Bourbaki, Löwenplatz, Luzern
Samstag, 20. August 2011 (Zeiten: 10-11.30 / 13.30-15.00 / 16-17.30)
Theaterspektakel, Landiwiese, Zürich
Sonntag, 21. August 2011 (Zeiten: 12-13.30 / 15-16.30 / 18-19.30)
Münsterplatz, Bern
Samstag, 27. August 2011 (Zeiten: 13-14.30 / 14.30-16 / 16-17.30)
Jugendkulturfestival, unternehmen mitte, Basel
Samstag, 3. September 2011 (Zeiten: 13-14.30 / 16-17.30 / 19-20.30)
Festival La Bâtie, Maison Communale de Plainpalais
Sonntag, 4. September (Zeiten: 11-12.30 / 13.30-15.00 / 19-20.30)
Zermatt Festival, Kirchplatz, Zermatt
Samstag, 17. September 2011 (Zeiten: 12-13.30 / 15-16.30 / 18-19.30)

Musikalische Leitung Beat Vögele
Inszenierung Serge Honegger
Audiodesign Tomek Kolczynski
Produktionsleitung Christoph Schön
Produktionsassistenz Nora Wyss

Sängerinnen und Sänger hark!

Zur Performance
REQUIEMreloaded ist eine performative Klanginstallation, die auf Mozarts «Requiem» aufbaut und dieses mit moderner elektronischer Musik, dem alltäglichen Lärm der Strasse und zeitgenössischer Chormusik zu einem neuen Klangerlebnis verwebt. Das Chorensemble hark! und der Basler Audiodesigner Tomek Kolczynski gestalteten als Ausführende die Produktion, die zwischen dem 13. August 2011 und dem 17. September 2011 in sieben Schweizer Städten im öffentlichen Raum aufgeführt wurde. Als Aufführungsort wurde jeweils ein zentraler, öffentlicher und belebter Platz gewählt. Zufälliges Laufpublikum und interessierte Zuhörer konnten dadurch gleichermassen angesprochen werden. Die orts- und situationsspezifischen Begebenheiten wurden zu einem integralen Bestandteil der Klanginstallation.

Musikalische Elemente
Ausgewählte Teile aus Mozarts Requiem (Confutatis, Lacrimosa, Tuba mirum, Rex tremendae, Introitus, Kyrie) bildeten das Fundament von REQUIEMreloaded.  Der musikalische Leiter Beat Vögele entscheid sich bei der Auswahl der Motive für alle original von Wolfgang Amadeus Mozart gesetzten Stimmen. Vielfach waren das nur eine Melodie- und/oder eine Basslinie. Sämtliche spätere Ergänzungen wurden nicht berücksichtigt. Die Chorsequenzen wurden auf verschiedene Weise wiederholt und entweder mit vorproduzierten resp. live vor Ort via Sampling produzierten Bausteinen von Tomek Kolczynski unterlegt oder während der Performance mit live eingefangenen Lauten und Geräuschen der ChoristInnen moduliert. Zwei portable Mikrofone lieferten dem Audiodesigner die Klanginformation, die damit kabellos in den Laptop eingespeist und direkt in die Klanginstallation eingeflochten werden konnte. Auch Umgebungsgeräusche wurden aufgenommen und mittels Übertragung, Speicherung und Reproduktion in die Klanginstallation integriert. Über die Lautsprecher ergab sich durch dieses Verfahren beispielsweise bei «Rex tremendae» ein vielstimmiges Sprach- und Lautgewebe, das sich mit den live gesprochenen und gesungenen Sequenzen verband. Ganz anders im «Lacrimosa». Dieser Teil war von einem deutlichen Puls unterlegt, über den der Chor und Tomek Kolczynski improvisierend modulierten.

Szenische Elemente
Die Regie oder eine wie auch geartete Inszenierung sollten für diese performative Klanginstallation möglichst unsichtbar und unauffällig bleiben. Die Bewegungsabläufe wurden ganz aus dem musikalischen Material entwickelt. Der Chor bot kein Schauspiel dar, sondern hatte möglichst authentisch zu wirken. Aus diesem Grund traten die Sängerinnen und Sänger auch in privater Kleidung auf, um sich nicht vom Publikum auf den öffentlichen Plätzen optisch zu unterscheiden. In den Proben wurden einfache Bewegungsmuster und Formationen entwickelt, die das Klangbild unterstützten und den Zuschauerinnen und Zuschauern ermöglichten, die Geräusche und Klänge unterschiedlich wahrzunehmen.

Aufführungspraxis
REQUIEMreloaded wurde an jedem Aufführungstag dreimal produziert. Die einzelnen Interventionen dauerten ca. 60 Minuten. Tomek Kolczynski gestaltete mit elektronischen Klängen und Stimmimprovisationen die Introduktion zur Performance. Darauf nahmen die einzeln auftretenden Sängerinnen und Sänger langsam den jeweiligen Aufführungsort in Besitz. Sie schlenderten wie zufällige Passanten aus verschiedenen Richtungen herbei. Wie im Selbstgespräch begannen sie plötzlich zu flüstern. Tomek Kolczynski liess am Mischpult die ersten Takte des «Introitus» in einer elektronischen Marimbaversion erklingen. Der Chor wurde zum ersten Mal als Gruppe nach ca. 10 Minuten wahrnehmbar, als die ca. 35 SängerInnen auf den Audiodesigner zuströmten, sich um ihn gruppierten und die Kyrie-Fuge, unterlegt mit einem Technobeat, anstimmten. Tomek Kolczynski übernahm die Stimmen der ChorsängerInnen, sampelte sie und projizierte sie über die sternförmig ausgerichteten Lautsprecher zum Publikum zurück. Die Fuge steigerte sich zu einem immer dichteren Klangteppich. Am dichtesten Moment fror Kolczynski den gesungenen Akkord ein und liess ihn im Raum stehen, quasi als klangliche Fotografie. Der Chor löste sich wieder auf, um sich neu zu gruppieren – dieses Mal standen sich Männer und Frauen in zwei Reihen gegenüber. Es folgte das «Tuba mirum». Erneut fing Tomek Kolczynski die einzelnen Stimmen ein und verwob sie mit dem Chorgesang. Der Gesang steigerte sich langsam und kulminierte in einem beinahe hysterischen Lärm, bestehend aus den elektronisch eingespeisten Stimmen und den Stimmen der SängerInnen. Es folgte das «Rex remendae». Der Audiodesigner Kolczynski liess über Mozarts Basslinien Worte wie «Rex» oder «Salva me» erklingen, und diese wurden sofort echoartig von den Sängern aufgenommen und kommentiert.  Über zwei Funkmikrophone wurden die Stimmen aufgefangen, an den Laptop des Audiosdesigners geschickt und von dort, elektronisch bearbeitet, wieder in den Raum zurück gesendet.  Eine ganz eigene Orientierungslosigkeit stellte sich für den Zuhörer ein, denn die Klänge liessen sich bisweilen fast nicht mehr zuordnen, ob sie akustisch oder elektronisch erzeugt worden waren. Es entstanden bizarre, aber fantastische Klangeffekte, welche sich je nach Sitz- oder Stehposition des Zuhörers intensiver mit dem Soundscape der Umgebung vermischten oder sich davon abhoben. Gegen Ende der Performance entfernten sich die Sängerinnen und Sänger fast unbemerkt. Während die letzten gesungenen und gepfiffenen Motiven aus dem «Lacrimosa» langsam verklangen, mischte sich Kolczynski unter das Publikum, so dass ausser der verbleibenden elektronischen Klänge niemand von den Ausführenden auf der Fläche übrigblieb. Der Nachhall dauerte noch mehrere Minuten, bis er sich vollständig in der Klangumgebung auflöste.

Links
www.hark.ch

Uraufführung
Tiroler Landestheater Innsbruck, 19. Februar 2011

Choreographie Yuki Mori
Libretto Serge Honegger
Bühne Helfried Lauckner
Kostüme Katharina Meintke
Dramaturgie Romana Lautner
Licht Johann Kleinheinz

Othello Enrique Gasa Valga
Emilia Marie Stockhausen
Jago Clément Bugnon
Desdemona Nadja Réthey-Prikkel
Cassio Carlos Contreras Ramirez

Tanzkompagnie des Tiroler Landestheaters Innsbruck

Aufführung
Predigerkirche Zürich, 12. Juni 2010, 20:30
Predigerkirche Zürich, 13. Juni 2010, 20:30
Predigerkirche Zürich, 16. Juni 2010, 20:30
Predigerkirche Zürich, 18. Juni 2010, 20:30
Predigerkirche Zürich, 19. Juni 2010, 20:30

Musikalische Leitung Kristjan Döhring
Inszenierung Serge Honegger
Kostüme Carola Ruckdeschel

Clara Schumann Markus Merz
Sopran/Flöte Annika Langenbach
Mezzo/Alt Susanne Langner
Tenor Walter Raschle
Bariton/Bass Martin Ulrich
Ärztin/Patientin Lisbeth Rüegg
Arzt/Patient Claudio Mascolo
Klavier/Orgel Kristjan Döhring

Programm
Werke von Carl Philipp Emanuel Bach, Christian Döhring, Mauricio Kagel, Franz Lehár, Gustav Mahler, Olivier Messiaen, Othmar Schoeck, Robert Schumann, Viktor Ullmann und Richard Wagner. Textmaterial aus den 2006 erschienenen Krankenakten (11. Band der Reihe «Schumann Forschungen»).

Programmheftbeitrag zur Inszenierung
Kurz nachdem sich Robert Schumann 1854 in die Heilanstalt Endenich bei Bonn einliefern liess, fing die Öffentlichkeit an, über das Befinden des Komponisten und die Gründe seines Zustandes zu debattieren. Bis heute sind die Diskussionen und Mutmassungen nicht abgerissen, was das künstlerische Team von «inscriptum» zum Anlass genommen hat, ein szenisch-musikalisches Programm zu präsentieren, das Robert Schumann durch die Brille der nachfolgenden Generationen einzufangen sucht. Seine ablehnende Haltung gegenüber den revolutionären Bewegungen, seine Unsicherheiten und Schuldkomplexe sowie die Sehnsucht nach einem heilen, poetischen Zeitalter bilden den inhaltlichen Kern der sieben Bilder.

Robert Schumann inspirierte eine grosse Zahl von Komponisten, sich mit seiner Musik zu beschäftigen. So haben sich nach Johannes Brahms und Gustav Mahler in neuerer Zeit u.a. Heinz Holliger, Aribert Reimann und Mauricio Kagel intensiv den Kompositionen gewidmet. Exemplarisch für die zahlreichen Spiegelungen von Robert Schumanns Schaffen in der zeitgenössischen Musik steht Mauricio Kagels «Mitternachtsstück». Der Komponist verwendet Texte aus Robert Schumanns Tage-buch auf eigenwillige Weise. Es bildet sich darin ein spezieller akustischer Raum, der die Welt nicht als Heimat abbildet, sondern Fragen, die das individuelle Erleben betreffen, unaufgelöst und mehrdeutig verklingen lässt.

Neben Mauricio Kagels «Mitternachtsstück» enthält das Programm Werke von Carl Philipp Emanuel Bach, Franz Lehár, Gustav Mahler, Olivier Messiaen, Othmar Schoeck, Viktor Ullmann, Richard Wagner und Kompositionen von Robert Schumann. Die ausgewählten Stücke kreisen allesamt um das Thema von Weltverlust und dem romantischen Gefühl der Heillosigkeit. Stimmungen von Unbehaustheit und Angst finden sich ebenfalls in Schumanns «Geistervariationen», die er in der Nacht vom 17. zum 18. Februar 1854, also kurz vor seinem Suizidversuch und seiner Einweisung in Endenich, komponierte. Die Melodie sei ihm von Geisterstimmen eingegeben worden. Clara Schumann untersagte eine Veröffentlichung, weshalb das vollständige Stück erst 1939 an die Öffentlichkeit gelangte.

In der Aufführung haben die verschiedenen Tasteninstrumente einen grossen Auftritt. Zum einen stellen sie eine Referenz an Robert Schumanns umfangreiches Schaffen für das Klavier dar, zum anderen erinnern sie an das einzige dem Komponisten zur Verfügung stehende Instrument in Endenich. Neben Flügel, Orgel, Harmonium und Klavier kommt auch ein aus dem 19. Jahrhundert stammendes, nicht restauriertes Tafel-klavier zum Einsatz.

Sind in den komponierten Werken Stimmen und instrumentale Begleitung noch kongruent aufeinander bezogen, so brechen immer wieder Momente ein, in denen sich die Stimmen als unverständliches Flüstern, lautes Schreien oder repetitives Psalmodieren verlauten lassen. Analog zu den «Gehörsaffectionen», die Schumann erlitt, überlagern die Stimmen bisweilen die rein instrumental zur Aufführung gebrachten Werke oder werden ihrerseits wieder von der Musik übertönt.

Link
www.inscriptum.ch

Aufführungen
Predigerkirche Zürich, 13. Juni 2009, 20:00
Predigerkirche Zürich, 14. Juni 2009, 20:00

Musikalische Leitung Christian Döhring
Regie & Konzeption Serge Honegger
Video David Schlatter

Schauspielerin Charlotte Heinimann

Klavier Ute Gareis
Sopran Franziska Strässle
Alt Antonia Frey
Tenor Raphael Höhn
Bariton Martin Ulrich
Chor ensemble clamor ultimus

Programm
1) Texte von Friedrich Nietzsche, Gabriele Alioth, Attar
2) Kiddush – für Soli, gemischten Chor und Klavier (Kurt Weill, 1900-1950)
3) Texte von Elfriede Jelinek, Georg Büchner
4) Aus jiddischer Volkspoesie – für Soli und Klavier (Dmitri Schostakowitsch, 1906-1975)
5) Texte von Franz Kafka, Gabriele Alioth, Hugo Ball
6) Requiem Ebraico – für Soli, gemischten Chor und Klavier (Erich Zeisl, 1905-1959)

Link
www.inscriptum.ch

Waschmaschinenlandschaften – Programmheftbeitrag von Serge Honegger
Ich habe mir vorgestellt, wie es wäre, wenn die Waschmaschinen von einem Tag auf den anderen in der Kirche aus dem Boden gewachsen wären. Welche Reaktionen wären zu erwarten? – Es gäbe sicher eine Vielzahl von Zeitungsberichten und aufgeregte Diskussionen in der Stadt. Vielleicht spräche man diesen gewachsenen Denkmälern des Waschens eine heilende Wirkung zu und die Leute würden extra dafür nach Basel pilgern. Zuweilen setzte sich die eine oder andere Maschine in Bewegung, um einen Waschvorgang zu starten. Das dabei entstehende Geräusch würde in der Kirche unheimlich und beruhigend zugleich wirken. Die Menschen, die zu diesem Wunder nach Basel gereist wären, sässen genau dort, wo Sie jetzt sitzen. Man würde sich die Frage stellen, welcher Sinn diesem aussergewöhnlichen und auch beunruhigenden Vorfall zugrunde liegen könnte. Mit Sicherheit gäbe es viele Verunsicherte, die darin ein Unheilszeichen sehen würden. Niemandem gelänge es aber, sicher der Faszination dieser unerwarteten Laune der Schöpfung zu entziehen. Diesem oder jenem Pilgernden könnte, nachdem er der Kirche einen Besuch abgestattet hätte, in der Nacht ein Albtraum wie der folgende den Schlaf stören:

Das Bild, das aus der Unbestimmtheit auftaucht, ist zuerst farbig und freundlich. Eine grüne Wiese mit vereinzeltem Baumwuchs und flatternde Kleider an langen Wäscheleinen sind zu sehen. Ein schönes und freudiges Gefühl überkommt den Träumenden. Dann verwandelt sich die Wiese in eine steinige Wüste. Aus dem Sand wachsen hohe Mauern, von den Bäumen gibt es nur noch die Strünke. Diese erscheinen dem Träumenden beim Nähertreten als metallene Kisten. Darin ist ein Rauschen und Rumoren zu vernehmen. Auf der Vorderseite wächst den maschinenartigen Gebilden ein glasiges, blindes Auge. Dem Träumenden ist weder nach Lachen noch nach Weinen zumute. Unvermittelt verwandelt sich die Szenerie in die Überreste eines alten Gräberfeldes. Die Inschriften auf den metallenen Grabmälern sind nicht mehr zu entziffern, die Toten, die sich dem ewigen Drehen und Kreisen ein Leben lang ausgesetzt haben, bleiben ohne Namen. Plötzlich werden die Augen der Maschinen blutig, das Wasser färbt sich rot und beginnt zu schäumen. Die Scheiben und Gehäuse zerspringen, worauf misshandelte, verkrüppelte und verkohlte Lebewesen – zusammengeknüllten Wäschestücken ähnlich – mit grässlichen schrillen und schreienden Stimmen aus den Trommeln steigen. Der Träumende bemerkt eine sich rasch ausbreitende Finsternis.

In der Inszenierung gehen die Sängerinnen und Sänger um die Maschinen herum, sie waschen, falten, ordnen, verteilen und verräumen das Textile. Dieses tragen si sonst um ihren Körper, sie schlafen darauf oder legen es über die Esszimmertische. Dabei wird es dreckig, bekommt Falten und verliert den Glanz. Alles zerfällt, wird unansehnlich, grau und geht mit der Zeit kaputt. Die Darstellerinnen und Darsteller setzen sich mit Langmut über diese Zumutungen der Welt hinweg. Jeder Tag erfordert von neuem Hingabe und Sorgfalt gegenüber den alltäglichen Verrichtungen, weil die Dunkelheit sonst überhand zu nehmen droht.

Der Alltag erscheint in der Aufführung als ein Moment, das über dem normalen Strom des Alltäglichen existiert. Im Kunstwerk, da lächeln und lachen kann, weil sein Gewicht leichter ist als das Wirkliche, findet die Verwirklichung der Sehnsucht nach Nichtalltäglichkeit statt. In der Musik, im Lobgesang und auf der Bühne erscheint er in der Welt, dieser verwandelte und beflügelte Alltag.

Überalltag: Die Kraft der unspektakulären Wiederholung – Programmheftbeitrag von Thomas Brunnschweiler
Das Projekt «Überalltag» ist […] der Versuch, Alltag und Gotteslob zu verbinden. Um diese Verbindung deutlicher zu machen, greift Regisseur Serge Honegger auf die Metapher des Waschens zurück, die eine von vielen alltäglichen Verrichtungen ist. Waschen, bügeln, Wäsche zusammenfalten – das sind nicht nur alltägliche Tätigkeiten, es sind auch solche, die von einer routinemässigen Wiederholung geprägt sind. Beim Kochen oder Schreiben kann man das Produkt nahezu beliebig variieren, immer Neues schaffen. Aber beim Waschen und Putzen tut man immer wieder dasselbe. Es entsteht nichts neues und oft dämmert der Gedanke herauf, das Ganze sei eigentlich Sisyphusarbeit. Vieles am Alltag ist Wiederholung, die nichts Neues schafft, die nur wieder – holt, beim Waschen etwa die Sauberkeit der Textilien.

Auch im spirituellen Leben gibt es Wiederholungen, die scheinbar sinnlos sind: Das Herzensgebet, die Litaneien, der Rosenkranz, das tägliche Psalmodieren der Mönche. Auch hier wird etwas wieder geholt, nämlich die Offenheit gegenüber Gott, das Vertrauen, die Bindung. Das immerwährende Gotteslob der Klöster ist nichts anderes als Wiederholung und nochmals Wiederholung. Diese ist aber nicht sinnlos, sie ist treue Einübung eines lebensnotwendigen Vorgangs, die letztlich zu Vertiefung und Geborgenheit führt.

Beim Waschen geht es um die Sauberkeit, die Erneuerung unserer nächsten Umwelt; beim Beten geht es um die innere Erneuerung. Waschen ist insofern der säkularisierte Lobgesang, der Lobgesang dagegen die spirituelle Waschung der Seele. Diese beiden Welten sollen auf der Bühne zusammengeführt werden, möglichst drastisch und optisch sichtbar. Deshalb tritt der Chor aus der Erhabenheit uniformer dunkler Kleidung hinaus in die Kleidung des Alltags. Die Tätigkeit des Waschens, Bügelns, Wäschezusammenlegens wird im Vordergrund angedeutet; Waschmaschinen erinnern unter anderem auch an Gebetsmühlen. Der Lobgesang wird mit dem säkularisierten Lobgesang der alltäglichen Wiederholung verknüpft.

Das Schlagzeugsolo [«Schleudergang» zwischen Nummer 5 und 6 der Sinfonie] soll die Illusion der totalen Harmonie durchbrechen. Die wohltuende, Leben schaffende Wiederholung – denken wir auch an den Puls, den Atem – ist ständig gefährdet durch das Hereinbrechen des Chaos, der lebensfeindlichen Kräfte, die sich oft als originelle Alternativen zur Wiederholung ausgeben. Was würde etwas passieren, wenn das Herz in origineller Ungleichmässigkeit schlagen würde? Was würde passieren, wenn wir uns vornähmen, einmal einige Minuten nicht mehr zu atmen, weil das originell wäre? Die heutige Welt ist gerade gefährdet durch ihren grossen Hang zum Originellen. […] «Überalltag» ist ein Plädoyer für die Kraft der unspektakulären Wiederholung. Selbstverständlich spielen bei der Inszenierung noch andere Motive hinein. Das Weiss der Wäsche etwa evoziert Reinheit und Licht. Die Inszenierung von Serge Honegger will nicht alles im Diskursiven auflösen, sondern den Raum für freie Assoziationen öffnen.

Aufführungen
Volkshaus Zürich, 23. September 2006, 20:00
Volkshaus Zürich, 24. September 2006, 17:00

Musikalische Leitung Beat Dähler
Regie Serge Honegger
Kostüme Simone Strässle
Licht/Ton smARTec

Solistin Yasmine Meguid

Chor Vocalino

Band
Carmen Bürgisser, Keyboard
Andy Grob, Gitarre
Michael »Baba« Schwarz, Schlagzeug
Thomas Stalder, Bass

Aufführungen
Ref. Kirche Köniz, Freitag, 7. April 2006, 20:00 Uhr
Kath. Kirche Reussbühl, Sonntag, 9.April 2006, 17:00 Uhr
Ref. Kirche Küsnacht, Dienstag, 11. April 2006, 19:30 Uhr

Musikalische Leitung Dominique Huber, Beat Vögele
Inszenierung Serge Honegger
Ausstattung Serge Honegger
Schauspielerinnen Franziska Bucher, Lilian Künzler, Vera Stirling
Schauspieler Florian Butsch, Sander Kunz
Solisten Nicola Meier (Sopran), Cristina Rosario (Alt), Daniel Issa (Tenor), Lisandro Abadie (Bass)
Chor und Orchesterhark!

Programm
Crucifixus a 8 voci (Antonio Lotti)
Teil 1 von La Passione (Antonio Caldara)
Miserere (Psalm 50) ZWV 57 (Jan Dismas Zelenka)
Teil 2 von La Passione (Antonio Caldara)
Cruxifixus a 6 voci (Antonio Lotti)

Die Vögel
Szenische Kantate von Leo Dick – Uraufführung

Die erste Walpurgisnacht
Weltliches Oratorium von Felix Mendelssohn-Bartholdy

Aufführungen
Französische Kirche Bern, 2. September 2005 (Première)
Martinskirche Basel, 3. September 2005
Kirche St. Peter Zürich, 4. September 2005

Musikalische Leitung Dominique Huber
Inszenierung Serge Honegger

Solisten Elisabeth Germann (Sopran), Lili Küttel (Alt), Simon Witzig (Tenor), Robert Koller (Bariton), Fabian Egli (Bass)

Chor und Orchester hark!

Programm
UA: Die Vögel (Leo Dick)
Elegie (Pjotr Ilijtsch Tschaikowsky)
Die erste Walpurgisnacht (Felix Mendelssohn-Bartholdy)

Chor und Orchester hark!

Programm
Ode for St Cecilia’s day (Georg Friedrich Händel)
Lauliku lapsepõli / Jaani hobu / Helletused / Pulmasõit (Veljo Tormis)
Marimbakonzert Nr. 1 (Ney Rosauro)